13/07/2021 - CANNES 2021: Parliamo con i registi, che lavorano tra Parigi e Bruxelles, della solitudine ultra moderna che tracciano nel loro primo lungometraggio

(© Aurore Engelen)

Cineuropa ha incontrato Emmanuel Marre e Julie Lecoustre che hanno unito le forze per realizzare il loro primo lungometraggio Generazione Low Cost - Zero Fucks Given [+leggi anche:
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intervista: Emmanuel Marre e Julie Lec…
scheda film], che è stato selezionato alla Semaine de la Critique del 74° Festival di Cannes. Il film vede i due continuare un rapporto registico iniziato con il mediometraggio D'un château l'autre, rimanendo fedeli a un cinema naturalistico ricco di imprevisti e inscritto in un'etica ed estetica appassionatamente artigianale.

Cineuropa: Come e da quanto tempo lavorate insieme?
Emmanuel Marre: Lavoriamo insieme da D'un château l'autre. Iniziamo con l'idea di un film, scriviamo la sceneggiatura, pensiamo a come realizzeremo fisicamente il film insieme. Ma la maggior parte del nostro lavoro è occupata da lunghe discussioni serali. È come una conversazione lunga e ininterrotta.

Julie Lecoustre: Emmanuel aveva già iniziato Rien à foutre quando stavamo realizzando D'un château l'autre. Mi sono unita alla scrittura della sceneggiatura. È sempre stato chiaro che sarebbe stata utilizzata solo una guida, una partitura che avremmo messo da parte durante le riprese, assicurandoci di lasciare sempre spazio all'imprevisto. È davvero un lavoro artigianale. Se passiamo davanti a uno sfondo che ci interessa, ci fermiamo. Pensiamo a cosa gireremo il giorno dopo, a cosa vogliamo provare. È un processo di ricerca in fieri. Giriamo con una squadra molto piccola e un forte senso di cameratismo, e questo è davvero importante per noi.

Quali sono le questioni al centro di Generazione Low Cost - Zero Fucks Given?
E.M.: Volevo esplorare uno stato di solitudine molto moderno, il tipo di solitudine che viene da un mondo in cui abbiamo così tanta scelta... Questo vasto numero di opzioni finisce per recidere i legami tra gli individui; ci chiudiamo nei nostri affari, imprenditori di noi stessi. Tutte queste idee a un certo punto si sono legate a un'immagine molto semplice, concreta, che, per me, era quella di una hostess di volo che lavorava su un volo low cost Bruxelles-Barcellona. Era seduta per il decollo e potevo vedere sul suo viso che stava attraversando qualcosa di piuttosto intenso; sembrava smarrita e disperata. Trenta secondi dopo, ha dovuto rimettersi la maschera da hostess, sorridere e servire i passeggeri. Volevamo fare un film per raccontare la nostra versione immaginaria della storia di quella hostess di volo.

J.L.: Quello che troviamo commovente è vedere come i mondi interiori si svolgono negli spazi pubblici, cosa che può essere trasmessa brillantemente attraverso il personaggio di Cassandre.

È anche una commedia sulle apparenze; Cassandre indossa la sua uniforme come se fosse un'armatura.
J.L.: Sì, indossa la sua uniforme come se fosse un'armatura capace di schermare le sue emozioni dal resto del mondo. Ed è quando tutto va in pezzi e si frammenta che gli esseri umani creano una distrazione, proprio come fa Cassandre. Affronta di nuovo il mondo nella seconda parte del film. Adèle Exarchopoulos ha una qualità che potrebbe sembrare piuttosto basilare, ma che in realtà è sorprendente, in quanto ha un intuito consolidato per la recitazione, al punto che ha persino creato un nuovo personaggio, che prima non conoscevamo.

È inoltre un film sul dolore...
E.M.: Sì, su come sperimentiamo fisicamente la perdita. Abbiamo lavorato molto, non tanto sugli aspetti psicologici del lutto, ma su tutti i luoghi in cui questa assenza si può sentire fisicamente nella vita di tutti i giorni.

Potreste parlarci del vostro approccio alle riprese e di come avete lavorato sulle immagini del film, che differiscono da una parte all’altra della storia?
E.M.: Abbiamo lavorato sullo sfondo con l'idea che tutto ciò che avremmo filmato sarebbe stato parte di un asse, non ci saremmo concentrati su nessuna azione. Eravamo limitati dallo spazio della cabina dell'aereo, le nostre riprese erano più vicine, meno aperte. Per le scene al di fuori dell'aereo, abbiamo cercato di aprirci all'arredamento, allo spazio, alla possibilità di far uscire le cose allo scoperto. Per quanto riguarda il montaggio, abbiamo lavorato secondo un principio abbastanza rischioso, ma importante per noi. In una drammaturgia tradizionale, il ritmo dovrebbe accelerare a poco a poco. Abbiamo fatto il contrario: il film rallenta quando lei torna a casa. Abbiamo anche giocato con la luce; si passa dall'illuminazione eccessiva usata nel mondo dell'aviazione e alle feste alle quali Cassandre partecipa, ad un certo buio, il ritorno della notte. C'è qualcosa di rilassante in questo. Per come la vediamo noi, arrivi alla verità di un personaggio non illuminandolo al massimo, ma accettando che ne vedrai solo dei flash. I personaggi non sono mai più se stessi di quando sono al buio.

J.L.: Passiamo da una vita episodica e fortemente ellittica, dove non sai se è passato un giorno o un mese tra le scene, a un luogo dove puoi avere un'idea della durata, dei giorni, delle notti e del tempo che passa.

(Tradotto dal francese)