07/10/2020 - Entrevistamos a Raphaël Balboni y Ann Sirot, que presentaron su primer largometraje, Loca por la vida, en la inauguración del Festival Internacional de Cine Francófono de Namur

(© FIFF)

Hablamos con Raphaël Balboni y Ann Sirot, conocidos desde hace años por sus cortometrajes (Lucha libre, Avec Thelma), que presentaron en preestreno mundial su primer largometraje, Loca por la vida [+lee también:
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entrevista: Raphaël Balboni y Ann Sirot
ficha de la película], en la inauguración del Festival International de Cine Francófono de Namur.

Cineuropa: ¿Podéis presentar la película en pocas palabras?
Ann Sirot: Loca por la vida aborda una situación a priori trágica, la de una pareja que sufre porque su proyecto de formar una familia se ve frenado porque uno de sus padres se enferma. Pero nosotros queríamos seguir en la delgada línea entre el lado dramático de la situación, y la luz y la felicidad que trae esa experiencia.

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Es un auténtico trabajo de equilibrista, entre la risa y la emoción, un impulso de vida.
Raphaël Balboni: Buscamos hablar de esta situación cambiando siempre un poco las cosas, aportando un lado lúdico, divertido, a veces burlesco.

A. S.: Tuvimos que dosificar la comedia que queríamos insuflar, y la realidad de la situación. A lo largo de la escritura y del montaje, tirábamos de un lado y del otro.

R. B.: Fue muy importante ver las versiones de prueba. Hicimos 11, y eso nos permitió ajustar las cosas con nuestra montadora, Sophie Vercruysse, para comprender cómo se recibían las escenas, lo que pensaban los espectadores.

¿Por qué habéis decidido montar en jump cut?
A. S.: Es una decisión importante porque condiciona la forma en que cortamos la película. Eso nos libera de la obligación de hacer plano-contraplano, pero también nos permite gestionar el ritmo de la escena en el montaje, y eso es muy valioso porque da mucha libertad a los actores y actrices. No les pedimos que hagan una toma perfecta, les pedimos que estén presentes el uno para el otro, que se sirvan de la realidad de la situación, que dejen entrar lo externo. También es por eso que no fijamos los diálogos. Lo que los actores guardan en la memoria son los muchos ensayos que hemos hecho y las discusiones que hemos tenido.

La libertad interpretativa también se hace eco a propósito de la película. Si no se elude la enfermedad, lo que terminas sintiendo intensamente es la libertad que genera.
A. S.: Sí, el propósito de la película es que el cuidado del otro no sea el sacrificio de uno. Si se sacrifican las propias necesidades, proyectos y sueños, la persona se secará, se volverá triste, amarga, y no se ayudará a sí misma ni ayudará al enfermo o enferma. La salud del otro es el reverso del olvido de uno mismo.

R. B.: También es saber reinventarse. ¿Cómo nos enfrentamos a las cosas que caen sobre nosotros en la vida, que en un primer momento pueden aplastarnos? ¿Cómo sacar algo positivo?

¿Cómo surgió el proyecto?
R. B.: Uno de nuestros padres padeció esta enfermedad, la demencia semántica, y para nosotros se convirtió en una necesidad hablar de ello. En ese momento hubo una convocatoria para proyectos de producción ligera, y pensamos: allá vamos. Era un marco que nos permitía hablar de ello y grabar con rapidez y libertad.

¿Podríais hablar de vuestro proceso de escritura, que es bastante particular?
A. S.: Empezamos escribiendo un primer texto que da una idea general de la historia. Después, escribimos un secuenciador, donde dejamos huecos. No buscamos que las cosas encajen perfectamente de la A a la Z. Dejamos espacios, trabajamos las escenas clave, y dejamos que los actores se ocupen. Después, llenamos los huecos, construimos, deconstruimos, reconstruimos. Como si jugáramos con bloques de construcción. Eso continúa en el rodaje, dejamos que ocurran accidentes y los integramos en la historia. Queremos mantener esa elasticidad, y esa energía mental.

R.B.: Intentamos permanecer muy naturales y abiertos para captar lo que ocurre. ¡Algo que no siempre es fácil, sobre todo durante el rodaje!

(Traducción del francés)